Poquita Fe

Las más Alejandro del 2011

2011-12-04T22:43:00.001-08:00

Miss Bala
Melancholia
Curling
Begginers
La piel que habito
Los Muppets
Crazy Stupid Love
Life in a day
Agnus Dei
Joan Rivers. A piece of work
Senna
Alamar
Midnight in Paris
Fuera de satán
We need to talk about Kevi
Martha Marcy May Marlene
(todavía no se acaba porque todavía no se acaba el 2011)

La piel que habito

2011-12-04T22:29:00.001-08:00

Al modo de filmar perfecto se le conoce como Hitchcockhawksiano, entiendo: El más expresivo de los modos clásico. Su clasicismo radica en que su expresividad no es poética, sino funcional: La imagen no necesariamente es la metáfora, sino que, del modo más bello, se encuedra una acción que contiene ese otro sentido.

Así es La piel que habito. Una trama/película de historias que no se ven, de mentes enfermas cuya pasión les impide considerar alguna alternativa a su versión de los hechos. De suspenso del más fino. La imagen y los sonidos reproducen este universo de informaciones desconocidas, de hechos obstruidos, de sombras que no dejan ver y palabras no escuchadas. De confesiones parciales. De encierros de muchos tipos: En las propias convicciones, en las profesiones, en las convenciones no asumidas y en los sitios de reclusión. Hasta el encierro en el carnaval, como refugio.

Disfraces, deseos consumados, colores, músicas, formulaciones y reformulaciones de la relación entre el cuerpo y la apariencia, todo es un exceso. Pero uno coherente, gozoso.

Con Almodóvar me pasa que lo odio o lo amo. Si lo amo, se me vuelve lo máximo. Ahí: Disculpen.

Begginers

2011-12-04T21:02:00.001-08:00

Lo malo de esta película es que no va a faltar quien la quiera resumircomo la historia de un hombre que se enamora de una mujer al pocotiempo de que su padre acaba de morir, cuyos recuerdos se mezclan conla historia de muchas maneras.
Ptrrrrrrr...
No es cierto. No del todo. Es muy reduccionista.
No es cierto porque, también en la historia de amor, hay unmomento que sucede de manera no cronológica; mejor dicho, fuera de sincronía, porvoz off. Como una memoria o dos memorias simultáneas.
Burdo: Esta película es como si estuviéramos mirando lo querecuerda el personaje de Ewan McGregor, lo que pasa por su mente; mientras, él está sentado y tomando el Sol un día en que se sientemuy satisfecho con el mundo. O le está contando todo esto a alguien. No se trata de cualquier película que cuenta una historia cronológica. Aunque no dudo que probablemente sería igual de conmovedora, o más.
Gracias a que no es cronológia, nosolamente es entretenida, sino que se distingue de otros melodramassobre familias e historias de amor que se cuentan en ordencronológico. Es decir, el desorden en la serie de hechos (que, puededecirse, funcionan como flashbacks), excepto en la historia de amor (que no meparece que se sienta como un eje temporal, una especie de presente;aunque se puede decir que funciona como tal), la convierten en algo más que una historia narrada con imágenes y sonidos. La convierte en UNA NARRACIÓN DE IMÁGENES Y SONIDOS. Única, o al menos diferente. Intencional. Dirigida por alguien.
No más burdo.
Todo en Begginers es memoria. Somos espectadores de un montón dercuerdos ajenos que son una sola obra pero a la vez un montón dememorias cuya progresión dramática no se dicta con el ordenacostumbrado sino que se intuye y se va construyendo conforme avanzatodo eso que vemos. Es casi como una gozosa agonía letal. Comocuando alguien nos cuenta su biografía y no parece que lleva apenashora y media contándonos cosas.
Hay que verla.

Mis películas favoritas

2011-04-12T10:13:00.000-07:00

Mis películas favoritas se clasifican en:

- Favorita independiente: Lost in translation
- Favorita Dogma: Italiano para principiantes
- Favorita de Woody Allen: Stardust memories
- Favorita de Agnes Varda: Jaqcuot de Nantes
- Favorita de la nueva ola: Vivir su vida, Cleo de 5 a 7
- Favorita de Godard: Una mujer es una mujer
- Favorita documental: Cartas desde Siberia
- Favorita comedia 80era: Sweet sixteen
- Favorita infantil: Little Manhattan
- Favorita Terror: Carrie
- Favorita thriller: Birth
- Favorita Hitchcock: Psycho
- Favorita comedia 90era: First Wives Club, Four weddings and a funeral, My best friend's wedding, The wedding singer, Shakespeare apasionado
- Favorita mexicana: Los hermanos del hierro, La soldadera, Dos monjes, Nesio
- Favorita musical: Los paraguas de Cherburgo, Chicago
- Favorita comedia primera década siglo XXI: Bridget Jones, Love Actually, Notting Hill, Bridget Jones 2
- Favorita favorita: Hambre, Copia Fiel, Mulholland Drive, Los cosechadores y yo, Begginers, Chicago, Lost in Translation, La piel que habito
- Favorito melodrama: Camino, Black Swan
- Favorita hermanos Coen: Barton Fink
- Favorita con personajes gays: Swoon, Un chant d'amour
- Favorita #telenovelabienhecha: La habitación del hijo, Todo sobre mi madre
- Favorita adaptación literaria: Virgin suicides, Tristram Shandy
- Favorita Kubrick: 2001
- Favorita "Lolita": Adrien Lyne
- Favorita superhéroes: Elektra, Batman regresa, El avispón verde, Transformers 1, Tron legacy, Batman inicia, El caballero de la noche
- Favorita funerales: Death at a funeral, Cinco días sin Nora
- Favorita donde fuman: It's complicated
- Favorita "equilibrio perfecto entre fondo y forma, nada arbitrario, todo funcional y narrativo": Belleza Americana
- Favorita por el final: Manhattan, El apartamento, Punch Drunk Love
- Favorita por incluír número musical en su estructura: Love Actually, Magnolia, 500 Days of summer
- Película chilena: Tony Manero, La Nana, Gigante
- Película argentina: El custodio, La sangre brota, Glue
- Película uruguaya: Whisky, 25 Watts, Hiroshima
- Película de Wes Anderson: Los excéntricos Tenenbaum

Presuntos culpables

2011-04-07T07:03:00.000-07:00

Sus carotas de mosquitos muertos.

La segunda escena de La otra familia es una boda católica entre una pareja gay. Pasa como a los cinco minutos de que empieza la película. Y ya dan ganas de vomitar. La película cuenta su historia a punta de campos contra campos, dizque planos secuencia que ni sintéticos ni analíticos, personajes que hacen las cosas nomás porque son muy buenos o muy malos, y un pinche mocoso estúpido que nomás llora o habla tan despacio que desespera, no sin dejar de mencionar el peluquinazo que le ponen al pobre de Silverio Palacios, la infinitesimal aparición de la ya de por sí inifinitesimal...¿cómo se llama? ¡Carmen Salinas! (Si se pensaba que la pregunta era por Nailea, también), y una larga lista de defectos.

Lo más incoherente, inverosímil, anacrónico, retrasado, mojigato y falso no es la boda, ni la forma en que el niño llega a manos de la lesbiana que lo lleva con los gays que se lo regresan a la mamá drogadicta que por drogarse permite que su amigo dealer haga un deal para que una pareja heterosexual "de varo" le pague por el niño nomás para que la susodicha pareja le regrese al susodicho niño a la susodicha pareja gay no sin quitarse de llamarlos anormales...no. Lo más incoherente es que se pretenda cobrar por ver esto. Lo más inverosímil es la cantidad de dinero gastada en producirlo. Lo más anacrónico es la necesidad de escribirlo. Lo más mojigato es la guadalupanez de los personajes. Y lo más falso es la secuencia con cancioncita.

No vale ni un peso de lo que costó. Ni la película ni el boleto para verla.

Breves sobre la muestra

2010-12-19T11:48:00.000-08:00

Submarino: La decadencia hereditaria, en una perturbadora pieza dramática, tan desequilibrante como admirable, estructurada a partir de la vida de una pareja de hermanos no muy cercanos pero definitivamente parecidos, escribiendo y reescribiendo la trama desde la perspectiva de cada uno de ellos, pilares endebles orillados a padecer una inminente ruina criminal.

La pivellina: Fascinante relato de ficción documental, como se le puede decir al neorealismo de épocas recientes (en todas sus puestas: Cámara, escena, sonido), construído alrededor de una espontánea no actriz de dos años.

El extraño caso de Angélica: Como obra y como género, fantástica fábula de amor, locura y muerte, en la que un fotógrafo se apasiona con su retrato de una mujer muerta que revive tras ser revelada en papel. Especialmente efectivos sus efectos especiales, de una bella y elocuente simpleza.

Hahaha: Enredo amoroso, medio woodyallenesco, manhattanoso, filmado sin mucho artificio pero con mucho humor, cuyo sentido se sostiene por el diálogo y la acción. Como un sitcom padre, de dos capítulos.

Un hombre que llora: A cerca del arrepentimiento que sufre un padre por tener que enviar a su hijo a la guerra, esta historia trágica es desafortunadamente una película que batalla contra un cine cursi, enfrentamiento del cual no sale bien librada.

La mirada invisible: Por construir todo el sentido de su trama a través de la acción, filmada con mucha sugerencia, evitando el diálogo explicativo, y otras formas muy convencionales de desarrollar el drama, esta película se distingue de otras obras que rememoran la dictadura militar argentina, o cualquier acontecimiento histórico, pues resulta sugerente y deductiva.

Tetro: Barroca, como en "insensata prolongación del clasicismo" (Liandrat-Guigues y Leutrat), y aburrida.

De hombres y dioses: Equilibrado melodrama, en torno a la relación entre los monjes franceses de un monasterio católico en el Magreb y los guerrilleros musulmanes que invaden la zona. Altamente conmovedora, sobretodo por evadir los excesos del sentimentalismo, aunque por un margen angosto.

El amor de mi vida: Larga, pero jamás lenta ni exahustiva o reiterativa; exquisitamente fotografiada y vestida. Romántica, de verdad. Especialmente virtuoso el ataque casi letal de amor que padece la protagonista.

Los gatos persas: Película que delata su bajo costo pero también su alto esfuerzo por relatar la difícil situación que viven los rockeros iraníes que desean vivir de la música. La economía de la cámara en mano, virtud y defecto, se compensa por la carga expresiva depositada en los personajes y la trama. El director, además, participa como personaje, en un abismo que pone en diálogo la realidad y la ficción, pues él mismo forma parte de esa comunidad que protagoniza su relato.

Verano de Goliat: Gozo capricho, por deliberado; aunque mamerto. Libre pero no genial. Mejor dicho: Ocurrente, básico y vacío de trama o concepto. Pero gozoso.

Los niños están bien: Una película clásica sobre un tema difícil, que suscita menos una polémica sobre aquél que sobre el cine, por valerse de los clichés del cine independiente, dependiente de las estructuras convencionales de género, star system, encuadre, y otros lenguajes del cine carentes de inventiva o de un poquitito de arte cinematográfico; lenguajes que así se seguirán viendo porque de todas formas al espectador no se le ha enseñado ni él se ha preocupado por aprender que el cine es un fenómeno aparte de las historias que puede narrar.

Conocerás al hombre de tus sueños: Comedia de gran concentrado final. Película senil. El toque perdido de Woody Allen, sobre todo en esa escena del reclamo familiar por la cancelación de la boda: Una discusión a mil voces, recurso típico del cineasta, pero sin la gracia o la construcción típica. Y asqueroso Antonio Banderas queriendo actuar de neoyorkino con acento.

La leyenda del tío Boonmee: Hipnótica del radicalismo subexpuesto, acronológico. Espectáculo del cine en el extremo opuesto de todo.

Copia fiel: A partir de una teoría del arte, la teoría del lenguaje y el comportamiento humano, como una cadena de semejanzas, representada y expresada a través de una relación amorosa. Magistral.

En un rincón del corazón: A pesar de las maravillosas sutilezas expresivas de Elle Fanning, las pole dancers con sex apeal de robot, y el shot inicial, la extendida duración de casi todas las escenas, reiterativas hasta para sí mismas, y para la pelicula anterior de Sofia Coppola (en prácticamente una fotocopia de Perdidos en Tokio), ponen su última obra más del lado del defecto que de la virtud.

Dulce hijo: Una película que inicia como una interesante provocación sobre el cine dentro del cine, pero termina siendo un simple melodrama sobre venganza y muerte.

Somos lo que hay...

2010-12-11T07:23:00.000-08:00

Y nos aguantamos.

Nos aguantamos a lo que está en pantalla, pero más a lo que no: Los trancazos, la sangre, el supuesto gore (uuuy, ¡vanguardia! Ptrrrr).
Nos aguantamos a lo que está en los diálogos y a lo que no.
Nos aguantamos mientras tratamos de entender si es en broma o en serio esa como crítica a la sociedad...porque a lo mejor todos somos como caníbales...¿no?
Nos aguantamos, además, al como anuncio de secuela, en ese shot final de la única sobreviviente de la familia caníbal, mirando a cámara, como diciendo: Soy lo que quedó. Y se aguantan.

Definitivamente: Qué alguien me explique.

The Zzzocial network

2010-12-11T07:09:00.000-08:00

(Otra vez pura historia. Y entonces la película se trata más de la historia y no de cómo está, por lo menos, contada. Ya no digamos expresada.)

¿Qué me importa si Mark Zuckerberg no tiene amigos, mas que en Facebook? ¿Qué me importa si hubo un junior trajeado, unos gemelos rubios y un chino con algunos diálogos, sacando provecho del pleito legal por la autoría en la creación de ese sitio web? ¿Qué me importa, si, en primer lugar, la película al respecto no es más que puro diálogo?

¿Me tiene que importar porque en el fondo es una película sobre la necesidad de reconocimiento?
¿Me tiene que importar porque, en el fondo, el conflicto es el de todo ser humano: Dinero y sexo?
¿Me tiene que importar porque sale Justin Timberlake actuando de Justin Timberlake actuando de Scott no sé qué?

De todas las formas en las que se pudieron haber expresado los hechos que describe The social network, la película se queda en puras palabras, yendo y viniendo, a veces, entre varios pasados y un presente, asunto de montaje que parece más un recurso para reducir su duración que una verdadera estrategia estilística.

Ni siquiera la escena de la competencia de remo, eficaz por la musicalización; o el aparentemente vertiginoso diálogo inicial, eficaz por resumir el motor de algunas capacidades creativas; mucho menos el hecho de tener a un actor haciendo de gemelos, como si fuera telenovela mexicana; ni siquiera la mera escena final, que con una sola acción dice por lo menos una cosa más; nada de eso consigue expresar, a través del cine, cualquier cosa que no esté ya en los diálogos o las acciones. Las cuales, en efecto, se ven y se escuchan, pero eso no quiere decir que funcionen expresivamente.

¿Querían cine? ¡Pues tengan!

Fraudiful

2010-10-24T08:16:00.000-07:00

Cineastas necios que os regocijáis en los azotes de la miseria sin razón.

Que creáis personajes tan barrocos como superficiales, y os fundáis en tramas tan barrocas como oportunistas, sin razón.

Que tenéis que fusilaros el inicio de Los amores de una rubia, sin razón.

Que filmáis una película en Barcelona, pero decís que es mexicana. Que pudistéis haber filmado en México, pero enconces no hubieses tenido al actor que queréis, sin razón.

Que teneís que subir el nivel de la música para compensar que la trama no es perturbadora ni conmovedora, ni enseña ni informa ni sensibiliza, sino lo vuelve a uno más escéptico del esnobismo miserabilista virtuosamente fotografiado y decorado en paleta de color, sin razón.

Ni El imperio de los sentidos, ni Bridget Jones

2010-10-05T09:19:00.000-07:00

La siguiente es una atenta invitación a ir al cine a ver Año bisiesto, enojarse muchísimo y esperar que Michael Rowe jamás vuelva a hacer películas. Por lo menos no en México. Ni con dinero mexicano.

Laura perdió su virginidad a los 12 años, cuando la violó su papá, quien murió un 29 de febrero, fecha que ella marca con rojo en el calendario, y que se convertirá, espontáneamente, en el día en que sus vicios sexuales podrían ser su boleto de viaje rumbo a una muerte paradójicamente tranquila y placentera.

En una escena de Año bisiesto, el brillo de un rayo de sol inunda todo el cuadro con mucha belleza fotográfica, pero plenamente desligada de cualquier significado narrativo. De antemano se nota una película dirigida por un guionista sin formación de cineasta (sic) quien además testifica haber pensado “ya chingué” cuando, con su proyecto, convenció a los veinteañeros productores de la casa Machete.

Un guionista sin formación de cineasta significa ser alguien aparentemente capaz de narrar, hasta que, en sus propias palabras, afirma que “para hacer una película sólo hace falta una buena historia, buenos actores que la interpreten, y una cámara con la cuál grabar.” Lo demás, dice, es parafernalia.

Eso no es lo peor. A su falta de criterio como cineasta, se le suman las contradicciones. Según él, la frialdad en el uso de la cámara fija es un recurso que deserotiza el contenido de las escenas, más bien deserotizadas ya desde que la protagonista no es sino un personaje de comedia involuntaria ("la verdad, algunas risas de los espectadores sí me molestan"), que come directamente de la lata de frijoles o del bote de helado, mientras mira comerciales de dildos o lee a Erich Fromm. Deserotizadas también mediante encuadres baratos, para poder decir que la película no apela a la superproducción millonaria (a pesar de haber costado millones de pesos, entre dinero e impuestos); encuadres también cobardes, emplazados para poder filmar el sexo actuado en toda su falsedad.

Hay otra escena en la que un personaje orina sobre el cuerpo desnudo de la protagonista. Y otra en la que ella lo masturba, hasta dejar la eyaculación oportunmente fuera de cuadro.

No que muy atrevidos.

¿Qué clase de jurado habrá entregado este premio?

Peor: ¿Cómo habrán estado las otras películas?

Mejor hay que ver esta:

2010, por tus películas, estás tan bueno que me vas a matar

2010-05-21T09:46:00.000-07:00

La película de terror sin monstruo.

Camino, el monstruo de la mente. Hambre, el monstruo de la injusticia justiciera. La primera se enfrenta a una malinterpretación, a unas creencias aparentemente útiles pero, en el fondo, pesadillescas. La segunda confronta la insurrección con la institución en sus condiciones más radicales. En ambas películas, media el dolor más tangible y sensorial, el más condicionante y conflictivo de todos: El que lleva a la muerte, inevitablemente.

En Camino, el aparato estilístico artificioso conduce al melodrama hacia excesos muy proclives a la ambigüedad/paradoja, dependiendo de como se la vea. Hasta número musical y asomo de cuento de hadas aparecen entre sus diversas formas, para conducir a la siempre interminable discusión a cerca de si nada más es para chantajear o si, por el contrario, es para hacer una crítica no tan indirecta sobre su tema. Para este blog, esa es garantía de que el dinero del boleto será bien invertido.

Hambre, por el contrario, se entrega abiertamente a la marginalidad de sus formas extremas pero con sentido de violencia bien definido, además de un estilo que domina al argumento, convirtiendo a la obra en un acto de expresión de la violencia y no una ilustración/explicación de un hecho alejado en el tiempo. Tampoco hay arrepentimiento. Ni en la película ni en el pago por verla.

La amargura es un ave rebelde

2010-01-31T13:51:00.000-08:00

Al grano. Cada vez más Woody Allen pierde menos el tiempo y va directo a donde quiere ir. En friega, Larry David se para frente a los espectadores y, ante un universo de escépticos compañeros de reparto, encerrados en su universo de ficción, se relaja y, con un amarguísimo pero muy sabio desplante totalmente anticlimático, nos dice la verdad: Esto es una película.

Diferente que cuando Tom Baxter se sale de la pantalla, similar a cuando Cecilia acepta el espectáculo como escape a la depresión en tiempos de crisis. Claro que, en el caso de Whatever works, el enfrentamiento con la realidad va más lejos que el de el personaje y el actor.

Algo sobre la anécdota: Los seres humanos son esa especie llena de ignorancia destinada a una pronta extinción, a menos que... Esa parte la dejamos para los que quieran ir al cine, en caso de que la película se estrene en México algún día.

Whatever works está llena de intención en sus diálogos, todos llenos de discurso. La ventaja es que es un discurso tan honesto que parece inhumano. Como una sátira involuntaria llena de verdad.

Muchas secuencias parecen sacadas de una obra teatral, concentradas en el ritmo del diálogo, la actuación, filmadas en plano general y llenas de personajes. Otras carecen de inventiva. Pero esas otras sencuencias de una toma sin diálogo y las típicas conductas ansiosas y verborréicas nos devuelven a la esencia.

Evan Rachel Wood está excepcional, como la nueva poderosa afrodita. Larry David es el mejor Woody Allen representado hasta ahora.

Columbus-Sancho en pro de la colonización del último rincón seguro de U. S. of Zombieland

2010-01-17T13:14:00.000-08:00

Zombieland empieza por burlarse de la idea de que United States es todo el mundo.

Caderazo a todas las películas de catástrofes apocalípticas dizque basadas en los fenómenos naturales que dizque van a terminar con el planeta. Nalgadita coqueta a las películas de zombies cuyos monstruos infunden un miedo para nada irrisorio. Guiño cachondo y grotesco a los fluidos, las mordidas y las sabroseadas de la carne y los huesos. Gancho al hígado para las tramas lineales y los argumentos encausados en la resolución del conflicto y nada más.

Zombieland podría ser nuestra película favorita de todos los tiempos, sí. Es una película totalmente narrativa, pero con un planteamiento inicial muy diferente, una secuencia de créditos obscenamente divertida, y una desparpajada y atípica (aunque traiga el sello de Hollywood), serie de circunstancias que sabotean y satirizan la forma de hacer películas de acción y horror, en muuuuchos sentidos (hay uno en específico que no se puede contar porque de veras se arruina todo el numerito).

Con rumbo fijo pero desviándose como le dicta la regaladísima gana, la película se desentiende de la trama para hacer burla y gala de paranoias, últimas oportunidades, nada que perderes, falsas pistas, clichés de susto; mediante corte directo, rampas de velocidad, la típica convención de "el zombie que en realidad es muñeco pero no se nota", violincitos premonitorios y personajes diseñados para aprender unos de otros, no sin antes alejarse de la identificación con el público gracias a sus excéntricas actitudes.

Nos ha dado hambre.

Apuntes sobre la llamada piratería.

2009-12-04T12:59:00.001-08:00

(Influído y dedicado, por qué no, por y para la brillantez de mi gurú)

1.- No todas las películas pirata se ven mal.

2.- Las películas pirata hablan mal de ti cuando compras Luna nueva o Wolverine.

3.- Los "piratas" no son delincuentes. Algunos se toman muy en serio su actividad como distribuidores de la cultura. Además, saben lo difícil que es levantar un negocio de distribución y exhibición de películas que a lo mejor ni en el cine normal van a estar. Por ello, optan por la práctica, efectiva y exitosa fórmula del comercio informal.

Por si fuera poco, saben más de cine que cualquier empleado de las cadenas que conocemos. Algunos te explican las películas yendo más allá de la sinopsis y, los poquitos expertos, saben de la inexistencia e inoperabilidad del término "cine de arte".

Los anuncios contra la piratería que pasan en el cine son un discurso que ni los dueños de las cadenas se creen.

El código usual y todo lo demás.

2009-11-19T09:38:00.001-08:00

La actriz fetiche del momento disfrazada de los personajes de las actrices fetiches de antaño. Todas las "chicas Almodóvar" en una, deshecha en secuencias disfrazadas de los dramas pasados. Todo, bajo el pretexto seudofilosófico ultramanchego de que siempre se hace la misma película, o no sé qué patraña por el estilo.

Acusan en cinécdoque de onanismo mal actuado.

Aquí, de amasar sin hornear. Se levantan los huevos a punto de turrón; se hace una pasta con la harina, la leche y la mantequilla; y se abre la revista en la página donde viene la receta.

Para hacer su pastel de suspense (leído con todas sus letras, como los españoles), reúna los ingredientes pero no los mezcle. Es bien importante poner mucho de lo que más le guste o crea que a los demás les va a gustar, y batirlo por separado. El betún de música y colores es bien importante. Si su fotógrafo la caga, no se preocupe, el pretexto narrativofilosófico bastará para que la película, digo el pastel, sea considerado un objeto artísico.

Si el decorado de suspense no tiene nada que ver con lo demás, tampoco se preocupe: La embarrada será gozosa.

Antihéroes de la patada

2009-11-18T11:05:00.000-08:00

Tragicómica apología del hooliganismo. Realista y telenovelesca en dosis similares, para no quitarle ni lo social-crítico ni lo cursi-cinematográfico. Co-protagonizada por las surrealistas apariciones de un futbolista/actor/productor ejecutivo, metidísimo en el papel de su propio personaje. Aderezada con el glorificante stock para salir del cine corriendo rumbo al Salón Corona para ver el partido.

Buscando a Eric: El melodrama reivindicador de la autoayuda basada en el antiheroismo, en la mente feliz como paliativo de la circunstancia jodida. En el cambio de plano no inventivo sino necesario, única y exclusivamente necesario. En la confusión mundial de las instituciones sociales. En lo más último del primer mundo.

Violencia para más violencia. La última reivindicación es la de la gente contra las enfermedades sociales: Formar anticuerpos. Atacar. En corte directo, descuidando el overlap sin dejar de acudir a él. Construyendo elipsis, sospechosamente sin premeditación.

Buscando a Eric, encontrando otro melodrama diferente.

Divina

2009-11-11T16:49:00.000-08:00

Pachequísima oda a las pesadillezcas perturbaciones que provoca la paranoia por el temor a los castigos divinos en vida y el irrefrenable avance de la desgracia.

Perturbaciones: La familia sorbe sopa sonorosa, la con fusión pesadilla realidad, el cochino vecino asesino, el soborno inevitable, el divorcio absurdo y sin causa, y el aberrante perfeccionismo setenterista. Retorcidos contenidos filmados lo más clásico.

Pesadillas: Chueca la fumada visión rebeldescapista en el sentido de la acción y del encuadre; indefinida la desgracia soñada de la vivida, sin avisar y por corte directo, tan real que rebasa al cliché típico del "y resulta que estaba soñando".

Castigos divinos: La música puede sonar a composición orquestral convencional pero subyacen melodías y pequeños temas o variaciones llenos de tensión tonal y dramática, por ende. En apariencia, la composición visual aparenta estética pero sus elementos carecen de armonía no visual. Como producto de una purificación, las desgracias se terminan, pero siempre habrá tiempo para otras.

Y así las cosas.

OTRA DE AMOR

2009-11-04T09:20:00.000-08:00

Más que "un logro del cine indie", y muchas cosas que se han dicho, 500 days of Summer, con mayúscula, es OTRA película sobre un fracaso amoroso. Pero, a diferencia de muchas de esas OTRAS, las ventajas de esta se hallan en su parecido inventivo y expresivo con, por qué no decirlo, Annie Hall. Sólo que para inmaduros emocionales peterpanescos sigloveintiuneros cursis y medio hypsters. Tampoco se emocionen.

Igual que con la película de Woody Allen, esta película focaliza y defocaliza la diégesis de muy diversas formas. O sea: Desarrolla una historia dentro de un universo ficticio, que transcurre convencionalmente en espacios reales y en un tiempo real -o sea, refleja la vida cotidiana, crea la ilusión de realidad, o como quieran decirle; mientras que, alternadamente, hace a un lado esa diégesis para hacer sentido mediante otros recursos -o sea, le vale madres seguir con la ilusión de realidad y se pone a hacer otro tipo de cine para decir cosas sobre sus personajes o sobre otros asuntos.

Lo malo es que Annie Hall posee unos niveles de significación infinitamente superiores. No lo decimos por la presunta "seriedad" o "profundidad", o como quieran decirle, de sus personajes o de su trama, sino por las relaciones semánticas y sintácticas entre forma y contenido, entre el cine y la historia/trama. Con comparar el final de una película y otra basta.

Dicho de otro modo:

500 días rompecabezados. El amor, la pena, el primer encuentro, el flechazo, la decepción, el rompimiento, la ilusión, el ligue, el reencuentro, estructurados en desorden pero ordenados por la intencionalidad de sus formas: Parodias de algunas películas grandiosas, parodia de un estudio antropológico coreografiado por la voz off, la imagen congelada, el formato de imagen cuadrada, el manierismo blanquinegro; el número musical cursi pero estorbosamente divertido; la pantalla dividida entre la expectativa y la realidad; el enmarcamiento de un romance dentro de una época que remite a su seductora ¿antagonista?; la irónica y contextualizadora nota inicial; la revolución semántica de la misma serie de planos de la - de nuevo- ¿antagonista?; etcétera.

Véala y entiéndala. O al menos véala.

Jim Carrey contra las cucarachotas que hablan y No mamen que todo el tiempo estaba mintiendo

2009-10-27T16:18:00.001-07:00

En District nine las cosas cambian para que todo siga igual: Humanos contra extraterrestres, con pretensiones de falso documental tan falaces que se dan en la torre a sí mismas, encerradas en los márgenes del peor y más patético de los géneros en que puede terminar una película mala: el melodrama más manipulador, musicalizado con la peor y más melosa de las músicas.

Y ya.

Por veintiúnica vez en décadas, alguien tuvo el desatinado tino de cambiar el sentido del título de una película sólo para hacerla más divertida. En El desinformante, Matt Damon se interpreta a sí mismo: Un típico y arrogante güero gringo mentiroso que, a pesar de todos los pesares, termina saliéndose con la suya, llevándose a los espactadores de corbata, seduciéndolos hasta volverse entrañable.

Nos atrevemos, apasionadamente, a afirmar que TODOS SOMOS Mark Whitacre, y a todos nos gustaría matarnos si nos conociéramos en persona, pues nos resultaríamos insoportables.

Aunque carente de inventiva y sobrada de arte (en una desmedida recreación de la segunda mitad de la década del 90, que más parece el periodo transitorio entre 1979 y 1980, a pesar de los ladrillofonos celulares), la película reconstruye a un antihéroe lo mismo entrañable que cuestionable que increíble, en un contexto de coprotagonistas y antagonistas cuyas acciones y reacciones convienen más para la "identificación con el espectador", sin que alcance.

Ignorancia, corrupción en un toma y daca infinito. Un cast perfecto, dirigido para contenerse y mantenerse en solemnidad de principio a fin. Una fotografía que busca la época en sus formas de representación, más que en el lucimiento del decorado. Un guión estructurado de forma cronológica y muy narrativa, en la superficie, pero cargado de rupturas en relación al clasicismo en la organización de los personajes.

Padre, padre. Desde el póster hasta los créditos.

Lujos

2009-10-24T06:50:00.000-07:00

Realista, melodramática, cronológica, de vez en cuando expresiva, criticona del american lifestyle, "Away we go" es una de esas películas disfrazadas de independencia. Según muy diferentes, algo radicales, pero enfermas de doble moral: Quesque muy formales, cuando en realidad muy narrativas; quesque muy críticas, cuando en realidad harto conformistas. No todos aprovechan las ventajas del disfraz de la independencia, ¿no es cierto, Quentin Tarantino?

CONTRAS:

"Away we go" es protagonizada por una pareja aparentemente anticonvencional (embarazados en unión libre, a pesar de los deseos del macho por formalizar el matrimonio), viviendo un conflicto más o menos atípico (la búsqueda por el mejor lugar para criar a su hija), dentro de una narrativa no clásica aunque cronológica y perfectamente adecuada a todo estándar (dividida en capítulos, cada capítulo representa un tema diferente: la seguridad, el aburrimiento, la unión familiar, la tolerancia, la esterilidad, etc.), y estilizada a la manera de muchas películas "independientes" (como un road movie).

PROS:

La película evita los juicios definitivos hacia sus personajes; unas dos o tres veces, la fotografía busca encuadrar de la manera más expresiva el plano (la panzota/elipsis, el enredado camino al destino/futuro); el casting es perfecto; el final tampoco es una resolución definitiva al conflicto de inicio, sino un parteaguas entre el inicio y todo lo que sucederá hipotéticamente.

Contrario a esta, "Belleza americana" da cuenta de todas las ventajas de independencia: Constante expresividad cinematográfica en todos los sentidos: Formas de la imagen (desde el encuadre y su respectivo espacio off, hasta las sombras y los colores cargados de contenido), del sonido (música incidental diegética en empatía con los personajes, música no diegética en corcondancia con el transcurso de los diálogos), de las formas clásicas de la tragicomedia y la narrativa cronológica enriquecidas por una voz off/monólogo interior, en contrapunto.

2009-09-26T11:33:00.000-07:00

En la actualidad, el documental es el género del cine que más se presta a debates de todo tipo: Sus fronteras con la ficción, la ética de los realizadores, la mentada objetividad, la manipulación de la información y la construcción de la imagen y el sonido como pruebas de un suceso, el propósito educativo, de observación, etc.

Afortunadamente, para enriquecer el debate, existen compañías, programas y festivales especializados, abiertos a todo tipo de propuestas. En el CUEC, incluso, este debate se vio enriquecido por la cómica anécdota de "Trabalenguas para una casa vacía", documental estudiantil que obtuvo una candidatura al Ariel mexicano, en la categoría de mejor corto de ficción.

Desafortunadamente, "El milagro del Papa" se encuentra en las antípodas de este nuevo panorama: Perpetua la tradición del documental anticuado, lleno de información, vacío por paradoja y basado en la polémica de su tema. Lleno de aristas, con sus puntas se afila la sardónica y corrosiva visión en torno a la vida de El niño milagro: Un zacatecano que, supuestamente, se liberó de los padecimientos de la leucemia gracias a la bendición de Juan Pablo Segundo.

Burla tras burla, la película recurre a la voz pasiva y ajena de la vomitiva pequeña burguesía: Miren qué chistoso, a poco no les da risa, todo es ridículo, espero no haber dejado de burlarme de nada. Todo esto, con una deshonestidad y un amarillismo constantes, a pesar de sus virtudes cinematográficas.

Empobreciendo el debate sobre las capacidades del documental (y la ficción y el cine y sus "fronteras"), "El milagro del Papa (un milagro...que sólo Dios sabe)" funciona como un buen ejemplo de algo sumamente discutible y desequilibrado.

Tres variables positivas para el cine en mexicano: 1) Buenos guiones; 2) Directores aptos y sensibles; 3) Públicos educados

2009-09-26T07:42:00.000-07:00

Le dije a un amigo: Vayamos a ver Cinco días sin Nora. ¿De qué trata? De los problemas que acarrea el funeral de una mujer judía que se suicida. ¿Cómo: Se trata de la continuación de "Los judiós mueren en cuaresma"?

Así le dice él a "Morirse está en hebreo", desperdicio de película con algunos diálogos brillantes y una actuación sobresaliente.

Pues no. Cinco días sin Nora no es ni la continuación ni la reparación de la otra película. No se necesita ser un experto en rituales del judaísmo para comprenderlo. Si comparamos las dos películas, más bien se entiende como todo en exceso hace daño.

Pero no hace falta, la comparación.

La película de Mariana Chenillo tiene lo mejor de las estructuras clásicas de narrativa y filmación. Esto no quiere decir que estamos ante una película anticuada o ya vista. Muy por el contrario, la virtudes de las formas clásicas pueden revestir productos realmente originales.

Es impresionante como en Cinco días sin Nora no se desperdicia ni el tiempo ni el encuadre ni la actuación ni el diálogo (aún el diálogo off); ni la música, ni la construcción de un pasado y el vuelco de sentido del presente; ni los personajes, por más incidental que su función sea.

El conflicto dramático no nos lleva a predecir ningún tipo de conclusión ni a identificarnos por el sufrimiento o felicidad de los personajes; más bien a seguirles la pista y comprenderlos por sus acciones.

La mamada conceptual sin lo padre.

2009-08-27T07:48:00.000-07:00

Charlie Caughman se volvió loco, de nuevo. Qué original. Kauffman y Cuaghman suenan igual, pero no son lo mismo. Ahí está lo padre de Synechdoque: Un buen concepto, una buena historia, un tema interesante y muy atractivo; los cuales, desafortunadamente, NO equivalen a CINE. Mucho menos, cuando al guionista/director se le ocurre ponerse narrativo y articular un prólogo medio realista, medio aburrido y medio a contrapunto con el resto de la película. Nada más estúpido, viniendo de un cabrón con suficiente capacidad para no dejar escapar el concepto de la narración, como en su guión ese, el muy apantallador y oscar winning, de la mente sin spots.

Pero bueno, la quiso así. A lo mejor para sacar de quicio a quienes pagamos por comprenderlo.

Y, si eso quería, lo logra. Así que: Gracias, Charlie Kauffman. Gracias por sacarnos de quicio con tu prólogo narrativo, convencionalmente dramático y pendejísimamente a contrapunto con tu otra película, aquella propuesta conceptual que hasta a los efectos especiales recurre con muchísima eficiencia y expresividad; que se sirve de un abismo de intérpretes para representar la polisemia de una aparentemente bien definida forma retórica.

Apelando a las virtudes del concepto, te salvas. Pero si nos metemos con tu forma de filmar, te "llueve sobre llovido" (Ayala dixit). Podemos apelar a que tu forma de filmar es novata pero, de un hombre con tantas ideas (por decirlo de alguna manera), la verdad no esperábamos la estandarizadísima y contradictoriamente inexplorada (en sus formas realmente expresivas), técnica del master con protecciones. El cual, obviamente, cae y decae conforme tu película se acerca hacia el final porque NO ERA LA FORMA DE FILMARLA.

Afortunadamente, como a muchos cineastas novatos e intuitivos, por el sonido, tu película se salva. En este caso, el sonido salva a tu película llevándola lentamente a un fin de muerte. Espero me entiendas.

Por lo tanto, en pocas palabras: Es una lástima que tu película pinche se cague en tu concepto chingón. Mejor suerte para la próxima. Que la dirija alguien más, sólo por moda.

Ganas de transformar

2009-07-01T07:08:00.000-07:00

Ganas de transformar al Hollywood sobreprotegido, que filma desde todos los ángulos que se pueda (los que estudian allá creen que sirve por si el actor te da 'cierta reacción' desde un ángulo y no desde otro, pero que es cosa que se descubre al editar -ptrrrrrrrrr-).

La visita de la banda, en sentido contrario, aunque utilizando una frase con doble sentido, no se mide. Ni se mueve. Se le va el tiempo en puras tomas fijas que acomodan y reacomodan a los personajes para transmitir nuevas sencaciones sobre el espacio y la proximidad entre los personajes, alta refinación expresiva, producto de la sencilla pero muy conmovedora pretensión dramática.

Este es un buen ejemplo del equilibrio entre la forma y el contenido.

Disney, expertos en la apología de la mortalidad.

2009-06-23T16:58:00.000-07:00

Familias disfuncionales, sexualidad reprimida, muerte y asesinato, además de un gran despliegue de chistes muy pendejos pero muy divertidos, es todo lo que UP desarrolla. Hace falta ser muy niño o muy niño y muy maduro, o muy maduro y un poco niño, para dejarse llevar durante toda la película.

Porque, así que muy espectacular, ni tanto. Lo que tiene es que, como viene siendo la nueva tradición pixariana: el asunto es romper algún esquema y proponer novedosos cuentos de hadas, pero sin ellas. Los personajes son producto de la realidad del cuento y no de la magia o el poder de la varita mágica.

Así, pues, el contenido de esta película exige eso: convención. También algo de sangre fría y mucha inteligencia para poder paliar el hecho de que, en efecto, esto va más lejos que la simple muerte de la mamá de Bambi.

Y ya, es mucho decir.

Mishima y Happy Go Lucky

2009-06-12T08:36:00.001-07:00

Paul Schrader era un genio antes de que se supiera. Para cuando había dirigido Mishima, ya había escrito y publicado su tesis doctoral sobre Dreyer, Bresson y Ozu. Pero no se vislumbraba que, entre sus talentos, estaba también el de comprender el tiempo y el espacio cinematográficos como dimensiones de un nuevo estilo, único más que condensador del estilo trascendental.

El estilo trascendental es una categoría con la que Schrader ilumina el entendimiento sobre los otros tres grandes cineastas mencionados. Parecía muy lógico encontrar en las películas de Schrader infinitas referencias a estos, pero no. Lo que hace es dirigir películas con su propio estilo trascendental, estableciendo códigos espacio temporales para la realidad (bastante estilizada, de cualquier forma), y códigos distintos (más artificiosos, estilizados hasta el límite), para la representación.

La película Mishima (una forma de representación, por sí misma), integra una ficción dentro de sí misma, entonces. Al parecer, es algo técnico y demasiado conceptual, pero en ello radica el éxtasis.

Además de que los contenidos de Mishima inevitablemente conducen al éxtasis, tanto por sus libros como por su biografía, la adaptación los lleva a otro terreno: el del análisis de la obra y la vida. Fusionadas y por separado.

Películas como esta, pocas.

Por otro lado, Mike Leigh, cineasta menos conceptual, ofrece una mirada más bien funcional para un tema que algunos encuentran difícil de entender: la felicidad.

Considerada una perturbación, al igual que el sufrimiento, la felicidad en la película de Mike Leigh tiene un punto de vista que, pragmáticamente, en nuestra suciedad actual alcanza a ser considerado como subversivo. Verdaderamente.

El personaje protagónico es, simplemente, tan feliz que provoca las neurosis de más de uno a su alrededor. Pero las cosas no son tan simples, y la película no se termina ahí. Es más complicada, invade otros contextos, a veces de forma implícita. No es completamente narrativa ni completamente funcional, aunque la cosa más cierta es que no es pretenciosa. En ello radica el concepto; no por tratarse de una forma funcional, carece de propuesta. Muy al contrario.

Feliz regreso.

En resumen

2009-02-03T08:36:00.000-08:00

No basta con tener una buena historia. Ya en El País, se reseñaba el anacronismo que, para su época de publicación, inspiraba la novela en que se basa Titanic 2. Entonces, casi cincuenta años después, ¿qué sentido tiene? Pues el del despliegue de gritoneos y sobreactuaciones manipuladoras (por principio y convención virtuosas), del reparto actoral. Pero tampoco basta con tener buenos actores.

Lo de negar la posibilidad de hacer películas (ya no digamos cine), a personas formadas en el teatro o la literatura, significa analizar su balanza de prioridades. Hacer una película no es nada más filmar algunas escenas de alguna buena historia con algunos buenos actores o escasos buenos diálogos. Una película debe someter la percepción a una red de discursos/relatos/lenguajes espaciotemporales desplegados en una estructura de asociaciones/yuxtaposiciones/disociasiones, etcétera, entre imágenes y sonidos.

Como el poquito cine de esta película: ese enfrentamiento audiovisual entre el enamoramiento y el matrimonio, la idealización y la infidelidad, el pasado y el presente en varias capas, la primera vez que Frank le pone el cuerno a April.

Lástima que ni tantito cine valga la pena. No se compensa. Ni aunque uno le siga teniendo poquita fe al cine.

Con el trailer basta

2009-01-23T16:43:00.000-08:00

No, David Fincher. No. Quien sabe si vayas a correr con la misma suerte que los infiltrados de Scorcesse y los débiles desterrados de Ethan y Joel (las minúsculas son nuestras). Pero, si por fin la academia de hollywod te otorga el oro desnudo y empalado, pues no va a ser por tu mejor película, como ocurre con todos. Aunque, finalmente, ni que llevaras tantas películas buenas, ¿o qué?

Qué lástima que el trailer de tu película de casi tres horas sea más padre. Pero es lógico, está muy cabrón que un resumen de tres minutos aburra proporcionalmente a su versión larga y completa. Sin embargo, te faltó decirle al editor del avance para cines que no fuera un culero y no pusiera lo único chido que había.

Se te olvidó, además, ponerle algo de cine a tu cuentote. Porque estoy seguro que F. Scott Fitzgerald tuvo más imaginación pa contar lo mismo (y, a lo mejor, otras cosas que no te cupieron), y con recursos literarios que ps o no pudiste o te dio hueva o quién sabe por qué chingados no tradujiste a metáfora visual, sonora, o al menos algún resquicio de sugerencia cinematográfica. ¿Qué a poco salía mucho más caro de lo que finalmente salió?

No te costaba nada, pues. Capitán Achab es infinitamente mejor adaptación literaria que tu Benjamin Button. Y ha de haber costado mucho menos.

Vuelve a la hiperexpresividad del viejo Fight Club (paradójicamente, mucho más moderno que esto último tuyo), de veras que no te ha de costar nadita. A mí que me importa una historia chida, si lo que quería ver era una película.

Ojalá te saques el Oscar para que tu carrera termine. Y, si continúa, que sea como con los Cohen y su derroche de absurdo cinismo sarcástico cómico. Sí, que sea con un derroche expresivo y estilístico. Si se puede, con el mismo Brad Pitt, vestido de rebede sin causa. Mejor todavía, que repitas a Tilda Swinton, que no necesita que la dirijas. Porque, repito: ni que fueras tan buen cineasta.

Regalo de fin de año para el roto Paxton

2008-12-31T11:08:00.000-08:00

Temerario, a la primera película de Yann Samuel le vale si a alguien le da asco esto o le tiene miedo a lo otro. Amar como un juego inspirador de otro juego: el del cine.

Juego de niños tiene, literalmente, DE TODO, excepto género definido. Tampoco es que inaugure uno. El problema entre esta película y los géneros es la desfachatez con que aquella le da la vuelta a los estereotipos casi antes de que el encanto sucumba ante el escepticismo.

Comenzando con muchos principios, la infancia de los protagonistas se plantea y replantea como un castillo hecho de cartas que cae y se levanta en cada secuencia, para producir siempre una nueva película, a veces basada en el poder del flash back para cambiar el rumbo de la historia, otras basada en el montaje elíptico y paralelo que da cuenta del avance de la historia, pero separando el progreso de la vida de cada personaje. El pacto es creer lo increíble, tal y como sólo puede pasar en el cine. Un juego con el entendimiento y la apreciación.

Lejos, pero muy lejos del amor como lo vivimos, y más como lo queremos vivir. como cuando se dice que se quiere un amor de película, o un beso de película.

No nos imaginamos otra versión, porque esta que vimos es totalmente la versión del director. Pensadísima, controladísima, sin derroches, aunque no pareaca. Son las ventajas de ser un genio visionario; no por adelantado, sino por previsor.

¡Woody Allen, no filmes en México!

2008-12-09T09:12:00.000-08:00

Porque, de hacerlo, entonces los protagonistas mexicanos serían (y'adivinaron): Gael y Diego. Y para nada sería como Penélope Cruz y Javier Bardem.

Aunque sobradita de literatura, sin la estructura ni el estilo de otras películas tuyas, también llenas de literatura (v.g. Hannah y sus hermanas), esta de Barcelona, en escala, es la segunda o tercera mejor de los últimos años, na' más detrás de Sweet and lowdown y en competencia con Match Point.

Sobradita de literatura porque hay un exceso de economía en los diálogos filmados en campo contracampo (close up dice, close up responde), no te hagas. Aunque, mirándolo bien, te mediste: media secuencia desde dos ángulos, media secuencia desde otros dos. Eso hace parecer que una sola secuencia se parte en dos, mostrando más caras de los personajes, enfatizando todo su esplendor: rasgos, gestos, trabas de lengua y traiciones del inconsciente.

También sobradita de literatura gracias al narrador off, que esta vez no eres tú, ni uno de los personajes. Sin embargo, en los textos de este guía, hay más que información: hay ironía, sátira, guiños y conjugaciones (pequeños antecedentes, esbozos de análisis, proyecciones a futuro).

Alguien nos dijo (a mi y al que escribe este blog), que los genios se vuelcan y regodean en lo elemental de las formas cuando envejecen. Puede ser. En ti, la escencia de tu forma de dirigir películas persiste en esta película: la manera en que tus actores hablan, la presencia sugerida por ausencia (un personaje fuera de campo, dos, toda una situación), el enredo motivado por los traumas individuales y no por los malentendidos verbales, y las dicotomías protagonistas (dos personajes principales que piensan distinto sobre el tema de la historia).

Pudiste haberla hecho novela, obra de teatro. Pero, como película, no te quedó nada mal.

Categórico (o con manzanas), sigues en el cine. Gracias. Y, neta: no vengas a México nunca.

Poquita muestra

2008-11-14T08:28:00.000-08:00

En medio de una disyuntiva, hemos de dividir nuestro tiempo entre completar carpeta de proyecto de cortometraje y asistir, como deber de estudiantes de cine, a ver películas. De lo poquito que podemos invertir en esta última actividad, supuesto perogrullo -harto difícil de cumplir- de nuestra formación, aquí va una apreciación.

Entre los asistentes, "El latido del tambor" generó al menos una inquietud: "¿Soy yo, o el actor es igualito a Jackie Chan?"

Pues sí.

Como 'emergente joven promesa', Jaycee Chan actúa en esta película sobre un rebelde romeo, hijo de una conflictiva circunstancia: el mafioso de su padre forma parte de una banda de criminales enfrentada a las temibles y sangientas hazañas de un esquemático enemigo.

No ha dado tiempo de investigar los motivos para contar esta historia, donde el protagonista, apasionado de las percusiones rockeras, es alejado del universo del crimen para aprender la filosofía del tambor. Pero, para nuestros propósitos, el pretexto narrativo carece de interés y relevancia ante el asombro del artificio: un montaje preparado para unir, confrontar, asociar, y todo eso que el montaje permite, al latido del tambor con todo lo que el drama requiera. Además del evidente recurso de la banda de percusionistas zen como actores, todo aquello que parece convencional termina siendo terriblemente original gracias a la relación entre planos, cuyo orden y jerarquía motivan el espectáculo, al cual se suman todas las refelxiones filosóficas en torno a la apreciación del sonido como elemento de madurez y ampliación del panorama vital.

Entre la infinitamente reducida 'gente de prensa', quienes, a decir de Joaquín Rodríguez, "No tienen perdón del diablo, siendo capaces de no venir a la muestra pero llenar la premiere de James Bond", "Una dama para dos" provocó división de opiniones.

Entre nosotros, o sea quien escribe este blog y yo, la nueva película de Chabrol sugiere, por un lado, banalidades; mientras que, por el otro, causalidades.

Banalidades: En lugar de Natalie Portman y Scarlett Johansson, "La otra reina" debió ser protagonizada por Scarlett Johansson y Ludivine Sagnier. Además, si "Una dama para dos" hubiera incorporado el deporte del Tenis al drama, hubiera salido "Match point" pero 'en francais'.

Causalidades: Muy al límite, Chabrol fantasea con su perpetua Mme. Bobary, exterioriza como nunca las circunstancias mediatas y remotas de los personajes a través del vestuario, y condena al fracaso a la aristocracia al punto de la cárcel. Pero también juega a ser Fassbinder sin descaros y economiza los planos, en términos narrativos, con un cinismo genial.

Lo mejor, Benoit Magimel y Carolin Silhol. Esplendorosos talentos, de esos que tal vez ninguna academia vaya a reconocer.

Quien siga asistiendo con regularidad a la muestra, por favor contribuya a la difusión de sus perspectivas. A los estudiantes de cine nos es útil.

Me muerdo la lengua

2008-11-04T12:17:00.000-08:00

#1: "Quémese después de leerse" no me gustó tanto como creí. Pero la voy a volver a ver pronto.

#2: Pretendí ir a verla de nuevo, pero entré a ver "Mi deseo en tu piel", una película Sueca con uno de los mejores carteles de lo que va del siglo, meritoria de una trama difícil de definir, porque puede decirse que es sobre 'la soledad', pero entre sus personajes se establecen relaciones tan particulares que persiste un genuino distanciamiento, una honesta mirada, en las antípodas de toda identificación y cualquier relación convencional entre espectador y película. Es de esas películas que son sobre muchas cosas; de esas que cada persona construye y reconstruye para sí.

Aumentada del video a los 35mm, meritoriamente, las sombras oscuras y las luces brillantes implosionan toda posibilidad de un pleonasmo, pues no son nada más una forma sencilla de filmar. En ellas, en las ventanas reventadas y las esquinas obscuras, hay sentidos de obstrucción a la mirada y a la historia.

#3: Estaba yo muy seguro de ir a ver de nuevo la película de los Cohen, pero no había visto "Ceguera". Me daba mucha curiosidad percibir lo que el Iñárritu brasileño había hecho con la novela. Pero me fue mal: me agazapé en mi asiento desde el inicio, y no probé ni una de mis tortuguitas de chocolate durante las dos horas de película.

Concebida plenamente por lo visual, la película hace a un lado al libro. Ni siquiera vale comparar, mucho menos adentrarse en la siempre absurda discusión de cuál es el mejor. Hasta parece que el Iñárritu brasileño dio al traste con esa eterna batalla entre snobs. Al igual que Sofia Coppola y su "María Antonieta"

Concebida plenamente en lo visual porque traduce el libro en cosas que no son su historia ni su estructura ni su narrativa. Es más, ni siquiera las traduce. Nada más saca algunos hechos importantes, los que mejor cuenten algunas relaciones entre personajes y uno que otro carácter que más o menos transmita la supuesta crítica que Saramago hace en el libro.

Pero, más que eso, el Iñárritu brasileño le pone sentido a la ceguera mediante el cine: sobreexposiciones, transiciones a blancos, fueras de foco, cambios de foco en una misma toma, reflexiones, cambios en la exposición, atmósferas descuidadas y obscuras, motion control, etc.. Todos los fenómenos de lo visual en el cine se transforman en una especie de metáfora sobre la percepción, sobre la producción de ceguera de los espectadores. Es una película basada en lo no visto, en las obstrucciones, en la sugerencia al extremo.

Las escenas dialogadas son suficientemente explicativas, sugerentes, informativas, medio poéticas, hasta lo necesario. Ni muy muy ni tan tan. Ni mucho libro ni mucha historia. Más bien harta óptica. Un espectáculo que no me imaginé.

#4: Comenzaron las funciones de la muestra cinetequil. Para variar, no me informé y entré el lunes pasado a ver no sabía que cosa. Pero UFF, qué bueno que fui.

"Cada quien su cine" es una declaración de amor al séptimo arte. Se puede reiterar esto, a pesar de que en el cartel venga inscrito, porque es más que cierto. No como en París, soy gringo y te amo, porque en ésta no hay tanto amor a la ciudad como en la otra sí lo hay por el cine.

Se nota, pues hay dos estructuras: una exterior y una interior. Cada peliculita debe durar tres minutos, pero debe contener un mensaje (narrativo o no), donde se exhalte eso que sus autores hacen. De tal forma que, revalorando, existe una estructura exterior pero múltiples estructuras interiores.

Documentales, ficciones, dramatizaciones, abstracciones; un plano, múltiples; terror, acción, fantasía, muerte, nostalgia; niños, viejos, papas, militares, cineastas; en fin: en esta, no cabe duda, HAY DE TODO. Pero, sobre todo, hay CINE.

Una pena

2008-09-22T10:22:00.000-07:00

Pena de que se haya puesto de moda filmar nada más por filmar. Pena de que se confunda lo arbitrario con lo caprichoso. Pena de que se pretenda romper con estructuras convencionales sin construir ninguna nueva. Pena de que lo mejor de esta película sea algo que está completamente al margen de ella: la escena donde aparece Magdalena Flores, una no actriz descubierta por Reygadas. Pena de que el póster sea lo único bueno de esta película.

Se siente dolor, una perturbación. Leí hace poco, en una revista española, a un crítico de cine decir "cuando la película se tira únicamente a la historia, entonces no es cine".

Pero tampoco porque la película se base en tomas largas va a ser compleja. Tampoco porque integre campos y contracampos en una misma toma (larga, también). Ni porque la actriz pajarée espontáneamente a la cámara cuando la ola los avienta a ella y al operador de cámara. Mucho menos por su estilo de actuación, tendiente a una desdramatización falsa, a una improvisación sobreactuada. Porque, de todas formas, tiene secuancias de diálogo altamente explicativas, y un exaltado contraste entre los personajes, que evidencia un conflicto muy pendejo entre una chava y un ñor que le andan poniendo.

Por eso, finalmente, ni muy expresiva, ni muy abstracta, ni muy diferente, ni muy nada.

Nomás el póster está chido, miren:

Y después vienen los turistas, de Robert Thalheim.

2008-08-26T12:39:00.000-07:00

Sin pretensiones pero con mucho arte, la nueva película de Robert Thalheim se define por una inteligente paradoja de pocos recursos pero la belleza de lo suficiente. Como un retrato que no busca la imagen exacta sino su representación; es decir, que conserva los rasgos de la pincelada al mismo tiempo que los del modelo.

Frecuentemente, en la historia del cine es común encontrar películas cuyas tramas se corresponden; quién sabe si Robert Thalheim conozca los deslices de la filmografía de Gus Van Sant (Finding Forrester, Good Will Hunting), o haya visto la populachona Perfume de mujer en cualquiera de sus continentales versiones, pero no son pocas las coincidencias entre esos relatos y el suyo, en el cual también se representa un conflicto generacional muy típico: entre un joven (idealista, rebelde, inmaduro o simplemente problemático), y anciano (maduro, experimentado, solitario, ermitano, amargado, decepcionado o simplemente renegado de la gente).

La variable más significativa de ésta fórmula es, por supuesto, el contexto (principalmente uno no muy amable). En este caso, el holocausto es revisitado (como dicen los gringos), fundamentalmente dese la perspectiva de Don Satislaw Krzeminski, para quien la vida se le agota no nada más por encontrarse a punto de cruzar la esperanza de vida promedio, sino por los polvos y desempolvos que, durante décadas, han convertido ese periodo histórico (que le tocó experimentar en carne propia), en un asunto que interesa por aristas que para él resultan más bien tangentes.

En cuanto al joven Sven, su revisión del holocausto no es producto de su enternecedora relación con Don Krzeminski solamente. También es resultado de su convivencia y eventual enamoramiento con esos otros protagonistas del inicio de la guerra de Hitler. Entre Sven y Polonia, y con ello el holocausto visto desde el presente pero lejos de la vitrina de un museo, se anudan otras consecuencias de tal evento.

La película, filmada (no grabada), se concentra en representar. Cada escena se filma con un poquiti de aquí y allá, para no dejar que algún guino actoral se escape. Algunas elipsis hacen eficaz la narración. No existe mucha influencia de melcochones violines provenientes del espacio exterior, y aunque parece que hay muchos personajes, al final todos funcionan sin que haya momentos donde falte verosimilitud. Es decir, una película eficaz, para lo que necesitaba la historia.

El corazón es un bosque obscuro, de Nicolette Krebitz.

2008-08-26T12:37:00.000-07:00

Dice un amigo que cuando una película que no tiene la intención de ser realista desborda sus posibilidades, dices "pues bueno". Es decir, hay películas con moraleja, hay películas que buscan decir algo sobre el ser humano (lo que sea que esto signifique), hay películas no narrativas, películas desdramatizadas, películas sin trama, etc.

O sea, hay películas para todo. Hasta películas hechas por quienes no saben hacer cine. Aquí el riesgo está en hacer con el cine lo que no se hace con otro medio. Porque, generalmente, quienes no saben hacer cine y de todas formas lo hacen es porque han dejado de lado la actuación, la literatura, la química, la música, el teatro o la ingeniería.

Nicolette Krebitz era actriz, por ejemplo. Y puede ser que el distanciamiento sea uno de sus recursos favoritos, porque en El corazón es un bosque obscuro se plantean muchas y muy diversas formas de distanciamiento, en un rango de lo evidente a lo raro. Evidente gracias a la convención de salirse de la representación de una realidad para crear otro espacio de representación, y raro gracias a la ruptura con cualquiera de ambas representaciones de un modo abrupto y sin razón aparente.

Evidencias: La música se interrumpe ante una confusión entre lo que hace un personaje y lo que otro espera de él. Los personajes principales discuten entre paredes negras de un escenario no cotidiano, sino inventado, intencional y teatral hasta el hartazgo. El desdoblamiento de un engano se produce mediante el duplicado de escenografías.

Rarezas: A mitad de algo que sabemos está pasando realmente (no en otro espacio, sino en continuidad con lo planteado), ocurre algo que no podría suceder si no es por un acto de demencia: gatear encima de la mesa servida, con los invitados prestando atención a otra cosa, al desmadre. La ilegibilidad de este asunto no tiene razón a menos que represente esa demencia, sobre todo si tomamos en cuenta algo: desde poquito avanzada la trama se anuncia el final de tragedia griega entre la madre y sus hijas.

Estas retóricas, dluídas entre lo ilegible y lo intencional, no parecen ser simples arrebatos creativos de la directora. En una película donde el final no es predecible sino que se anuncia, y algunos recursos de distanciamiento son evidentes, algo de cine puede deducirse.

La visitante, de Lola Randl.

2008-08-26T12:36:00.001-07:00

No hay por qué clasificar las películas porque luego pasa que hay algunas que no se sabe cómo denominar. Además, por mucho que La visitante tenga una trama con algo de suspenso, está mejor hablar de los mecanismos de ese suspenso que del género en sí. De esa forma, se hace a un lado la etiqueta, pues descubrimos que la complejidad de los recursos va más allá que tan sólo funcionar ante un género.

Claro, luego se rinden cuentas ante exclamaciones como ésta.

Sin embargo, la presencia por ausencia (o sea cuando no vemos pero conocemos o escuchamos a un personaje), resulta un elemento pivote en esta película, en la cual la protagonista se busca nuevos problemas al parecerle más atractiva la identidad de alguien más.

Por recados en una contestadora, por chismes, rumores, notitas y cartas, se configura el personaje más influyente en el conflicto: el que nunca se ve. Ni siquiera por aparecer en una foto se puede decir que está presente, pues son sus acciones pasadas, sin consecuencia aparente, pertenecientes a otro orden de las cosas, las que anudan hechos y acciones.

Hay otra forma de no estar: no decir. A punto de lo radical, pero finalmente cediendo a las explicaciones, la división entre la identidad ajena y la propia bifurca hasta la desesperación el conocimiento de quienes pertenecen a cada nivel de realidad. Así, los problemas sólo crecen y crecen, y la película se vuelve cada vez más narrativa conforme hay que describir estas acciones y estas relaciones, pero sin perder esa ausencia y enmudecimiento que generan suspenso.

A la orilla del cielo, de Fatih Akin.

2008-08-26T12:35:00.000-07:00

Fatih Akin resulta exótico por pertenecer famosamente a dos culturas y hacer que sus películas siempre crucen la frontera entre turcos y alemanes, cada vez con consecuencias más llenas de sangre, muerte, desolación y moraleja. Se trata de otro cineasta que evidentemente no sabe hacer cine, que se preocupa por sus historias antes que por sus películas, y cuando decide una forma de filmar es descriptiva o pretenciosa.

Pero, aplacándonos el humor, su nueva película nos hace sufrir tres destellos de expresividad que en sus otras películas no había, pues siempre le subía el volúmen a la música o el patetismo a la historia. En fin, la violencia sin violencia, los golpes y disparos sustituídos por un corte entre su causa y consecuencia; la serie de coincidencias insospechadas (la segunda vez que aparece un personaje no es el mismo que pensábamos cuando su primera toma); y, finalmente, la espera última, que se prolonga hasta los créditos de la película. Todos son recursos intencionales, ya no intuitivos, se nota que apenas, tras toda su filmografía, se va entiendiendo la posibilidad de la imagen y el sonido más allá de su capacidad descriptiva.

Un analfabeta puede leer y producir imágenes; por eso existen muchos cineastas intuitivos y pretensiosos que son populares. Lo bueno de Fatih akin es que está haciendo otras cosas, aunque en pequenas dosis, poco a poco.

Chiko, de Özgür Yildrim.

2008-08-26T12:31:00.000-07:00

Hay que estar bien informados para entender cómo está el conflicto entre turcos y alemanes. Aparentemente, la discriminación y delincuencia que enfrente a estas culturas rebasa lo que podamos imaginar de un país tan avanzado en apariencia. De cualquier forma, algunas películas tienen la gracia del realismo y la gratuidad de la violencia, que provocan un encuentro entre lo que se puede decir de ella.

Por ejemplo, Chiko es una película donde todo se mata, menos el tiempo; el exterminio como consecuencia deja únicamente falacias y moralejas, y muy poquito qué decir de una película como ésta.

Berlín, 1o de mayo, de Ludwig Carsten, Jan-Christoph Glaser, Sven Taddicken y Jakob Ziemnicki.

2008-08-16T11:22:00.000-07:00

Película coral sin final redentor, grabada -no filmada- en pleno 1o de mayo, exaltando el realismo al máximo, dividiendo el rodaje entre cuatro directores para aprovechar y no gastar en extras (inserte aquí algunas risas grabadas), “Berlín, 1o de Mayo”, en común con algunas películas de múltiples historias fina(l)mente entrelazadas, traza una línea entre la cordura y la demencia, la pérdida de los estribos y de la vida. Los personajes, en este caso, se confrontan contra sí mismos y alguna especie de ética o disciplina moral, al mismo tiempo que la justicia institucional los pone en dilemas de supervivencia.

De nuevo, el cine alemán despoja de atributos esteticistas a la fotografía, se concentra en el encuadre, aunque esta vez sí persiste el ánimo de invadir desde varios ángulos una escena. Sin embargo, siempre es para mostrar un cuadro nuevo; así, de un plano amplio donde se ve a todos los personajes y todo el espacio necesario, se corta a un detalle, alguna reacción en específico, o se relaciona a dos personajes para separarlos de la totalidad.

Pero es en su intervención directa con los hechos, donde la película tiene su mayor virtud. Una dramatización dentro de un documental, la película interviene tal y cómo se puede llamar a esta acción dentro del arte conceptual. La ambigüedad genérica es un reto a las convenciones del cine, tanto en su presentación como en su elaboración.

Aprovechar el mero día del título para realizarla no nada más (en teoría), reduce costos; también aumenta riesgos; pero, más importante, modifica la visión y mete en líos la idea del cine como registro de la realidad, en sus formatos, en sus historias, en sus actuaciones, en sus despojos de "belleza", o en su capacidad documental y ficticia, a la vez.

Las flores del cerezo, de Doris Dörrie.

2008-08-15T14:28:00.000-07:00

Sabrosas contradicciones. Quién sabe cuáles sean los propósitos de Doris Dörrie, pero en sus películas sobresalen intencionales y lógicas contradicciones temáticas y técnicas favorables a su estilo. Sus películas las registra en video, apelando a la espontaneidad en la realización y el montaje descargado de artificios; como los cortes infinitos por escena. Sus tramas no apelan a la verosimilitud en primera instancia, sino que tratan asuntos específicos cuya esencia sí apela a un tema que, inevitablemente, resulta universal; como el duelo familiar.

Contra la belleza, una forma nueva de ella. No por despojar la imagen y el sonido de esteticismos una película deja de ser bella. La influencia de lo bello está en el registro de las situaciones: aparentemente, no prevalece una supuesta técnica de rodaje ni un rigor previsualizado del mismo. Simplemente, cuando no se puede registrar una escena o secuencia en una sola toma, se recurre a la toma dos, desde un ángulo nuevo. Cine práctico que, tampoco por ello, cede todo a la narrativa.

Lo mejor de dos tecnologías. Muchas son las virtudes de este cine posterior a la asimilación de las películas hechas en video. Otras tantas son las virtudes de las películas en video que ha hecho Doris Dörrie, pues se nota que conoce las trampas de los formatos: difícilmente, los no experimentados pueden distinguir entre 35 mm y video; los cineastas saben que la textura, la latitud, el color y muchas otras cualidades los diferencian. Sin embargo, al no clavarse en ello, sino rodar de forma práctica, los formatos se funden en una forma distinta de hacer cine, que no se diferencia ni del cine en película ni del cine en video.

La emotividad invisible. Cuando no deja los patetismos dramáticos a medio camino, el cine práctico de la inteligente y sensible alemana se los lleva detrás de las paredes, quitándose de juicios fáciles ante las explosiones emocionales de algún personaje. El tono es como el que deberían tener las telenovelas si éstas se atrevieran a estimular la percepción, puerta de la inteligencia.

Avanzar, siemrpe avanzar. Entre una toma y otra generalmente no hay una continuidad, necesariamente. Con cada corte no existe un simple cambio de ángulo, sino un ligero avance en el tiempo (qué paradoja: en estas épocas que intensifican el tiempo continuo desde todos los cortes, la elipsis breve, un recurso narrativo sólo del cine, aparece en películas de cineastas inteligentes como algo sumamente expresivo).

Luego parece que no son así de complejas, pero es que el cine itneligente no es el que en apariencia es el más eternoresplandeciente, sino el que se diferencia.

El cine, esa cosa fácil de ver:

2008-07-08T13:33:00.000-07:00

"¿Lo que se ve es lo que se escucha?"

Una película que estremece el sentido humano más emocional vale la pena antes que aquella cuya estructura reitera lo visto con lo escuchado. Cuando un significado es visto mientras que otro es escuchado, se produce un tercer efecto, dicen: el que no está ni en lo visto ni en lo escuchado, sino en el producto de ambos, que se configura en la mente del espectador.

El tercer efecto repercutirá en la narrativa mientras la película, prioritariamente, tenga el propósito de contar una historia. Sin embargo, cuando no active un hecho o acción nueva, sino que se refiera a una cualidad más allá de la historia, el tercer sentido será expresivo y requerirá de un análisis más complejo.

Nos encontramos ante una paráfrasis de las teorías, se requiere de una mesa redonda más profunda, plural y amplia para tomar en cuenta con seriedad los conceptos de significado, tercer efecto, narrativa y expresión. Mediante la intuición, esperamos crear la discusión en este foro.

Un ejemplo: Alvy y Annie charlan sin dejar de pensar. Esta lectura nos hace cómplices de ambos en sentidos distintos. Mejor dicho, nos hace cómplices de la película más que de los personajes.

(El clip está en cagadísimo castellano)

Más Vudú Cinema

2008-06-30T19:22:00.003-07:00

LA MEJOR MÚSICA (I)

(Imagine una nota de violín, al más puro estilo del terror hollywoodense). Se dice que el cácaro del cine más viejo de la ciudad era brujo. En las ruinas del edificio, los bomberos encontraron restos de muñequitos picados con alfileres; (la nota de violín comienza a ascender) en las cabecitas de trapo, (asciende más) pegadas con gotas de parafina, tenían caras de estrellas y directores de cine (asciende a lo más agudo).

(El rechinido de un archivero interrumpe la nota del violín para adentrarnos en el hueco ambiente de una oficina de gobierno). En las actas del ministerio público queda asentada la existencia de altares, mas nunca se dice cuántos eran ni a qué aludían, exactamente. Tampoco se pone en tela de duda que algunos muñecos hayan sobrevivido al incendio. Se trata de un par de páginas carecientes de detalles, como para evitar que se cumplan los malos presagios.

(Vuelve la nota de violín acompañada por algunas notas de piano). Aparentemente, uno de sus altares tenía tres muñecos: uno en forma de Oscar, el famosísimo premio de la academia de cine de Hollywood; otro, era un muñequito de trapo negro, aparentando estar vestido de frac, en cuya mano derecha sostenía una varita de madera –tal cual, un director de orquesta; el tercero era un muñequito con lentes y barba dibujados en la cabeza, una gorrita roja malhecha con algunos retazos, una camarita simpaticona en la mano izquierda y un fajo de billetes en la derecha –se sospecha una réplica simplona de Steven Spielberg-.

Continuará...

Un momento

2008-06-17T16:49:00.001-07:00

Que estudiar cine implica no poder ni ir al cine ni escribir sobre él, por temporadas.

Primer cine vudú

2008-05-20T10:07:00.000-07:00

(Harto retórica, pagana, vengativa y mala leche, esta sección busca la exterminación de los placeres ilusorios con que algunas estrellas nos evaden del mundo real.)

Estimada y santísima muerte, en cualquiera de tus versiones. En el misterioso y pequeñísimo planeta Tierra, vasto en habitantes, a quienes muy seguramente no cuentas como tus únicos fieles, existe una indeseable subespecie sobrevalorada: los actores. Sobre todo los de cine.

Invoco a tu insolente clemencia para derretir y disolver la presencia terruna y perruna de la más éxito-talentosa de todas, camaleónica como bella, multifacética como hipersensible. Con sus brujerías innatas, ha logrado conquistar las geniales mentes de más de un indefenso cineasta. Esta otra subespecie sobrevalorada -pero necesaria, ha sido víctima sumisa de sus poderes en más de una ocasión.

Por favor, no dejes que su exquisita minimal estatura contamine más nuestras percepciones con su mística capacidad expresiva. Por favor, no permitas que su veneno se propague por las inmaculadas bocas de quienes satisfacen nuestros deseos al soñar. Dale un Óscar de Hollywood para que su carrera despegue en la pervertida carrera hacia la decadencia.

Bumburuburuburuburubummmmm...

No será tuyo por siempre.
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Su última fechoría.

Contra el régimen

2008-05-19T18:54:00.000-07:00

Transformar la propia vida cotidiana en otra cosa parece ser un ejercicio muy creativo.

Un película melodramática animada es mejor que cualquier película melodramática, sobre todo si se aprovecha de las muchas posibilidades del dibujo contra las de la acción viva (la bidimensionalidad, la profundidad basada en los planos traslapados, las siluetas, el figurativismo y la abstracción). Más aún si moldea más de un género para sus distintas secuencias, valorando la narrativa más allá de la historia (ilustraciones diegéticas, números musicales...números musicales...) .

En las películas animadas más complejas, las cosas suceden MUY cinematográficamente. En Persépolis, una misma secuencia estructura más de una modificación espacio-temporal, ambientes gráficos dibujan atmósferas inconseguibles aun con toda la luz del mundo. Existe un motivo biográfico en el tema que deriva en una particular revisión de la historia iraníreciente, pero con un tratamiento ramificado que le pone interés.

Los toques de color con que se identifica al presente de la historia no desentonan con el blanco y negro del pasado; los personajes en el presente se representan con el color de sus pieles y sus ropas, pero el entorno permanece gris y melancólico, pesimista pero confiado en la honestidad con uno mismo.

Más profunda en su exploración de las formas en que un cómic o novela gráfica pueden adaptarse al cine fue American Splendor; sin embargo, la versión en movimiento de las memorias de Marjane Satrapi, honesto recuento de todas las versiones con que vivió los conflictos entre sus creencias, su nacionalidad y el régimen de su país, profesan el amor por la narrativa totalmente atípica, tanto en lo relacionado conl a historia como en lo que respecta a las formas de narrar en cine.

(Pronto, alguna película que no nos guste. Ya estuvo bueno de decir que todo lo que vemos en el cine es bueno.)

Sin interés aparente.

2008-05-15T13:04:00.000-07:00

Verdaderamente enamorada.

Nicolás Echeverría es un genio. Eso dicen. Protegidos por sus asesorías, los documentales del CCC rompen con las tradiciones de esta metodología cinematográfica.

Una de las ramas del árbol genealógico de la familia de Yulene Olaizola vio surgir una excéntrica historia de contenciones románticas, un relato verídico que culminó en asesinatos, pero cuyo desarrollo incluyó ingenuas pero profundamente sinceras manifestaciones pictóricas y musicales, así como a uno de los personajes más irrelevantes pero sumamente atractivos que la historia nunca iba a rescatar.

Producido con la precariedad del arrebato fílmico que se registra en video, grabando el sonido directamente a los micrófonos de la cámara, y sin el mayor artificio cinematográfico que las poderosas armas de la edición y el montaje, Intimidades de Shekaspeare y Víctor Hugo resulta infinitamente más suculenta que morbosa, incluso por lo que su título pueda sugerir de manera inmediata.

La sencilla alternancia de testimonios, en los cuales se confrontan versiones y parcialidades en el repaso de los hechos, estructura los chismes más allá de su veracidad. El planteamiento y los argumentos, extremadamente cotidianos al mismo tiempo que sacados de todo lo ordinario, no revelan una hipótesis fundamental para la filosofía de la moral sino es en un nivel subtextual. Se comprueban los lazos entre las personas involucradas, pero en ellos subyacen las mentiras, los deseos, y asuntos que supuestamente son más universales.

Pero, formulado y construído lejos de la convencionalidad documental panfletaria o sensiblera, la película permanece en el sitio cotidiano, en la sincronía histórica, en las lejanías de la ficción. Se comprueba el lugar común que compara los alcances de la realidad contra los de la invención, para llevar esta reflexión al terreno de la formalidad no convencional y del contenido sin interés público (aparentemente).

Buenísima.

Elogio de la decalebrity

2008-05-08T15:56:00.000-07:00

Edie Sedgwyck, hija de una disfuncional familia llena de perversión y dinero, corre en blanco y negro y en cámara lenta por las calles de Nueva York. Fuera de campo, vestidita como princesa campirana (con su vestidito de flores y su cabello lacio y sin teñir de falsos rubios), acepta sus errores y afirma que noooooo, nada de nada, nooooooo no me arrepiento de nadaaaaaa.

Sin embargo, los intertítulos finales nos informan de su joven desvanecimiento por una prematura sobredosis, recién dada de alta de rehabilitación.

Su amigo, Andy Warhol, según dice su representante en Factory girl (Guy Pearce, transformado pero impecable, para variar), se sentía tan atraído por cierta gente y por la irreverencia de poner en evidencia las técnicas del cine (en un arranque de conciencia que Ed Wood a lo mejor hubiera necesitado para vender), que no dudó en convertir a esta heredera acumula-desgracias en su estrella.

La película conjuga las secuencias con base en el estilo fotográfico: presente, presente filmado como pasado y pasado filmado con los actores del presente. Asimismo articula diversos presentes: el del recuerdo en 35mm, el de Edie rehabilitada y el de Edie como la recuerdan sus viejos amigos, esto último en un slide vertical durante los créditos.

La cultura gringa sublima hasta al más drogadicto de los muertos. En el mundo de la fábrica todos aparecen tan millonarios y excéntricos que, no importa el nivel de estilización con que las adicciones y el arte se filtran en la personalidad, todos mueren dejando puros recuerdos maravillosos.

El legado del arte pop no parece haber sido superado. Pero, a pesar suyo, como momento histórico no parece interesar mucho a los magnates de los estudios angelinos. Siempre hace falta la mano de los Weinstein para poder filmar las historias del inframundo del arte que impulsó la posmodernidad (Basquiat, Yo le disparé a Andy Warhol). Sobre todo para hacerlo con la deliberada cámara al hombro, la distorsión del foco suave, la diversificación de los formatos de la imagen con sentido, y la artificiosa discursividad que glorifica a los más necesitados de historicidad.

Recomendada por el Maestro Ayala.

Unas por otras

2008-05-05T17:21:00.000-07:00

Qué padre ser de una nacionalidad y hacer una película padre sobre alguien de otro país.

El abuelo Monster nunca tuvo su revolución. A lo más que llegó fue a su programa de radio, porque la candidatura al gobierno de Nueva York no parece haber juntado suficientes firmas, muy a pesar de su popularidad como el más viejo de una de las familias más excéntricas de la tele gringa. Pero, orgulloso, pudo representar este personaje, uno de los ancianos más contraculturales que jamás se ha visto ("No puedo andar por la vida apareciendo ante la gente como el abuelo de cualquier familia típica americana").

El cine documental no es tanto un género como una metodología cinematográfica. Supuestamente se compromete con alguna verdad, y sus elementos dependen del curso real de lo que se filma, casi siempre.

Afortunadamente, existen algunos cineastas que deciden hacer documental concientes de las posibilidades expresivas de tal metodología. Sí, debe ser más cercana a nuestra idea de lo real que la ficción, pero puede valerse de todo aquello real que puede darle forma a aquella verdad que, supuestamente, se quiere demostrar. Yo soy de los que prefieren no diferirlo de la ficción en cuanto al uso de los elementos del cine, solamente en cuanto a metodología se trata.

Realizada por un crew más gachupín que otra cosa, motivada aparentemente por un deseo de exponer la poco conocida conciencia política del de por sí poco recordado Al Lewis, Goodbye America hace recuento de los fascismos republicanos y demócratas ejercidos por los gringos desde la segunda guerra y hasta después de la guerra fría, mientras el legendario abuelo Monster recibe pincelazos de maquillaje al prepararse para un show de terror (otro show de terror).

La realidad de esa sesión de maquillaje transporta la película a una serie de archivos que reconstruyen las memorias del abuelo Lewis, lúcido y contestatario como siempre. Las contradicciones políticas del mundo moderno adquieren sentido mediante la particular visión de un personaje que en esta ocasión no actúa.

Poquitos documentales actuales tienen tanta coherencia de contenido y elocuencia cinematográfica como éste. En épocas globalizadas, en las que un grupo de españoles hacen una película sobre un gringo para hablar de una partecita de las contradicciones políticas del mundo, películas como ésta llaman mucho la atención.

Padre padre, y disponible en el foro de su cineteca nacional favorita.

Dios ha muerto

2008-05-05T16:23:00.000-07:00

Mi novio, ni Caravaggio lo hubiera pintado mejor.

Tony Stark se arrepintió de su empresita construye armas y su avión con table dance para salvar al mundo de los afganos malditos y con caras llenas de cicatrices. Le bajó al whisky toda vez que una bomba le tronó en pleno desierto, y comenzó a fijarse en su sirvienta por algo más que sus curvas luego de que tomó conciencia de la finitud...y de su responsabilidad de salvar al mundo. Un empresario bélico socio-responsable sólo podría ser un súper-héroe.

Acelerando todo elemento de la continuidad intensificada, el actor que dirige, John Favreau, se acumula unas sonrisillas escépticas al afirmar que su película de Iron Man es como un "Superman dirigido por Robert Altman".

Claro, no todas las películas de súper héroes tienen este tono medio alivianado en las actuaciones, con diálogos no declamados ni cargados de retórica artificiosa. Tampoco todas muestran la lucha detrás del telón: el desmadre que significa echarse el hombro el numerito de la armadura y la afinación de las súper habilidades. Ni las sirvientas son Gwyneth Paltrow ni los villanos Jeff Brigdes, ni la dependencia hacia la máquina fue tan evidente (¿el batimóvil madreado? O sea).

Yo qué sé. Sólo no me imagino a tom cruise con minúsculas y barbita haciendo de alcohólico redimido sin perder el cinismo, volando del suelo a la última capa que divide la Tierra del espacio para matar al villano.

Tampoco me imagino bien a bien si el único elemento acá "muy complejo" de la película compensa la convencionalidad de todo lo demás. Una ruptura cronológica al inicio a lo mejor es mucho pedirle a una película veraniega que ya hace mucho con convertir a un ricachón mamarracho en carismático muñequito de acción.

Lo que sí compensa toda convención es la actuación de Stan Lee, por primera vez dejando los cameos y la extreada pa hacer algo de verdad dentro de la película.

Ya nomás que llegue Batman y que Iron Man nos agarre confesados.

Qué chida está.